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Acostumbrados a levantar la vista hacia el lejano horizonte buscando propuestas y proyectos, hemos decidido mirar en derredor para presentar a alguien tan cercano para los que hacemos este blog como es Ignasi López y su proyecto Agroperifèrics. Este proyecto, que hemos visto terminar de gestarse en los últimos tiempos, nos traslada a esos espacios intersticiales casi invisibles, tejidos entre nudos de carreteras, en espacios ignorados de polígonos industriales o cualquier otro resto permeable del urbanismo, creando oasis rurales que crecen a espaldas de las ciudades gracias al trabajo e ingenio de los agroperiféricos, que son los pobladores de estos territorios y los que le devuelven a estos espacios el ritmo y estilo de vida que presumiblemente antaño tuvieron. El trabajo de Ignasi López es una auténtica delicatessen, una investigación que se revela al espectador poco a poco, siempre regalando algo nuevo en cada visionado, cuestionando, divirtiendo, apreciando y aprendiendo. Este proyecto se convertirá en libro gracias al micromecenazgo (disponible hasta el 30 de mayo) de aquellos interesados en incorporar a sus bibliotecas esta obra imprescindible. Para más información pulsa aquí.

BSide Books

www.verkami.com

http://www.ignasilopez.com

Cuando se observa Floh de Tacita Dean, se percibe un elogio a la fotografía de toda la vida, la que obedece a una función autobiográfica del recuerdo, del permanecer en el tiempo, del amarillear y revisitar en un momento dado el pasado. Obtenidas de mercadillo diversos, perdidas, entregadas, arreabatadas de su vínculo, floh da sentido de nuevo al objeto creando un album “familiar” intenso, con el que la autora a través de la edición de un libro numerado y firmado (este trabajo solo podría cobrar sentido de esta manera) ha adquirido un vínculo ajeno para hacerlo propio a través de las imágenes del recuerdo de otros. Cuentan que tuvo que dejar de ir a los mercadillos, pues le daba miedo que alguna de las fotografías que encontrase debiera estar en el libro cuando este ya estaba publicado.

Esta trabajo imbrica con el final de un texto de Víctor del Río que subtitulado epílogo autobiográfico y a raiz del comentario de una fotografía de su abuela concluye Los extraños encuadres, la sombra del fotógrafo en el intento de buscar la luz directa del sol, los formatos diminutos, los deterioros del revelado, las dedicatorias, las numeraciones y las palabras incomprensibles anotadas detrás de las fotos, todo ese mundo de signos de finalidad indescifrable, son también la fundación de un arte espontaneo. A Partir de ellos solo podemos inventar nuestro pasado. 

A los seguidores más cercanos de este blog no se os ha pasado por alto el periodo de hibernación por el que hemos pasado recientemente. Las constantes vitales han continuado ahí, y volvemos a la conciencia con Lauren Henkin y su trabajo “Growth”, que reflexiona acerca del crecimiento invasivo. En su libro vemos imágenes de paisajes en los que la naturaleza se abre paso en entornos urbanizados de la misma manera en que un tumor crecía -presumiblemente- en el cuerpo de la artista, cuyas ecografías se muestran alternativamente con las primeras, haciendo un paralelismo entre el crecimiento exterior e interior y reflexionando sobre si estos crecimientos son realmente invasivos o sólo reivindican su espacio natural.

www.laurenhenkin.com

Consideramos este trabajo como un fetiche que nunca tendremos en nuestras bibliotecas, un anhelo, un libro que seduce a la vez que inquieta. Hablamos de “Ahnung” de Volker Heinze, fotógrafo alemán que en 1987 creó esta serie posteriormente llevada a libro en 1989.

Ahnung es una palabra de difícil traducción que representa un presentimiento o premonición que parece evolucionar hasta el temor. Sin duda un acercamiento poético de un momento histórico que marcará el futuro de una ciudad como Berlín (lugar donde están tomadas las fotografías) y, por extensión, a Europa. Sus imágenes en color llenas de recovecos donde la evocación y cierta opresión en ocasiones parecen transmitirnos incertidumbre ante el cambio. Volker Heinze no traslada sensaciones e incluso malestar cuando recorremos este trabajo absolutamente apasionante.

El libro consecuente de este trabajo es impactante en calidad, edición o diseño. Un libro con una edición de 800 ejemplares, acompañado de una edición de artista con portada en madera de 40×50 cm y edición de 2 ejemplares. En definitiva un trabajo delicado a la vez que revelador creado en los albores de la caida del muro de Berlín.

Si os habéis quedado con ganas de más, podéis ver el libro entero en:  Have a Nice Book.

Cosas del destino: hoy han llegado a nuestras manos dos libros de dos autores relacionados con Japón. El primero no lo conocíamos, se trata de “Salaryman” de Pawel Jaszcuk un trabajo editado por la interesante Mörel Books. Nos habla de una consecuencia del exceso de trabajo, las horas extra durante seis días a la semana en búsqueda de la jerarquía coorporativa. ¿Cual puede ser el resultado de esto según el autor?, con karōshi (Muerte por exceso de trabajo) o haciendo catarsis bebiendo alcohol. Esto es lo que ha retratado el fotógrafo polaco, una purga existencial a la japonesa plasmado en una edición muy interesante de 150 ejemplares que ya se han agotado.

Y por otro lado un trabajo ya mítico de Kohei Yoshiyuki “The Park”. Voayers en los parques de Shinjuku, Yoyogi, y Aoyama en años setenta donde los furtivos encuentros sexuales con mirones incluidos, sumado a la utilización de película infraroja y flash hace de este trabajo único y fascinante. Un libro fundamental en la historia de la fotografía.

Todos nos acordamos de aquellos fotógrafos viajeros del s.XIX que nos mostraban nuevos mundos con el afan de trasladarnos las maravillas de la naturaleza y  civilizaciones desconocidas. Joël Tatamantti parece llenarse de ese espíritu y surcando pueblos, ciudades y paises de todo el globo, nos muestra una diversidad global del mundo en el s.XXI. Tettamanti es un viajero ecléctico, estético, formal en la mirada y prolífico en su producción. Muy prolífico: Togo, España, Islandia, Suiza, China, Kwait o Vietnam son algunos de los muchos destinos que nutren su contundente libro “Local Studies“, un libro de fotografía con aspecto de enciclopedia de geografía, lleno de grandes detalles de lugares que como las fotografías del  S.XIX nos impresionan y nos traladan a lugares que seguramente jamás conoceremos o que pueden ser un próximo destino a partir de ver estas imágenes, ¿Porque no?.

TARANGAMBADI - INDIA - 2007

 

VILLAGE - ROMANIA - 2009

ILULISSAT - GREENLAND - (2008 - 2009)

UUMMANNAQ - GREENLAND - 2008

ZAGAYA - NIGER - 2006

WHERE IS MY GIANT? - ICELAND - 2008

VARDO - NORWAY - 2008

 

Tal vez no haga falta decirlo, pero en este blog tenemos una debilidad especial por esa fotografía que, en ocasiones, se acerca a disciplinas entrelazadas como la antropología o la arquitectura. En ese territorio conviven gran cantidad de fotógrafos contemporáneos y de cuando en cuando sus temas coinciden entorno a una misma reflexión. En esas estábamos cuando revisábamos trabajos como los de Xavier Ribas y Bas Princen, dos interesantes autores que comparten viaje hacia un tema como el domingo como símbolo del ocio y el ocio como símbolo de estos tiempos. Un ocio indisociable del lugar donde se lleva a cabo, ya que estas zonas periféricas acaso se hayan convertido en las últimas colonias autóctonas de las ciudades a salvo de fenómenos con gran capacidad de alteración como el turismo y donde estas personas (frecuentemente habitantes de zonas próximas a estos lugares) desarrollan actividades vinculadas al ocio. Por supuesto cabe destacar la gran cantidad de matices que diferencian los trabajos de estos dos autores, pero su propuesta nos invita a interesantes reflexiones.

– XAVIER RIBAS: Su magnífica serie Sundays reflexiona sobre el fenómeno de la elección de los espacios residuales de las ciudades como zonas de ocio, pese a que cada vez hay más espacios diseñados exclusivamente para tal fin. El texto que acompaña a la serie en la web del autor un documento valiosísimo.

– BAS PRINCEN: Sorprendentemente (o tal vez no tanto) la actividad principal de Bas Princen no es la fotografía sino la arquitectura, y tal vez por ello en Artificial Arcadia presenta un trabajo en el que técnica y tecnología interactuan con el paisaje gracias al ser humano.

Como muchos de vosotros sabeis, hace unos días organizamos el workshop “LOW/HIGH: Autopublicación en la Fotografía“. Fueron muchas horas de pensar, repensar y buscar las vueltas a todo lo que se puso a tiro y, como no podía ser de otra manera, valió la pena… y mucho! Sofía Gonçalves y Marco Balesteros impartieron un taller valiosísimo en Madrid y nos adentraron en la autopublicación haciendo, de paso, saltar por los aires ideas preconcebidas y limitaciones respecto a la “puesta en página” de las ideas. La siguiente cita es Promenade: Exponer la fotografía que será impartido el 7 y 8 de mayo de 2010 por la experimantada comisaria Marta Dahó, en el que se analizarán, entre otras muchas cosas, las especificidades de los proyectos de fotografía y su puesta en escena, donde los asistentes jugarán un papel determinante con sus trabajos… Id haciendo hueco en vuestra agenda!

También estamos en:

Agradecemos a Laura M. Lombardía las fotos cedidas.

“What about the midtones?” “Fuck the midtones!” Perlas como esta conversación entre Joel Sternfeld y Gerhard Steidl (en la que Sternfeld es el que pregunta) podremos verlas en el documental “How to make a book with Steidl“, del que aún desconocemos cuál será su difusión o fecha de estreno. De momento, podemos contentarnos con una web, algunos fotogramas y un trailer. Esperamos impacientes.

Pasar por momentos tan excepcionales como fue el diálogo con Gonzalo Romero (Siete de un Golpe) y Juan Valbuena (miembro NoPhoto, entre otras cosas) es un buen motivo para escribir en un blog. Sabemos que en internet un exceso de texto puede ser un pecado mortal, pero en este caso nos saltamos esa “ley” para haceros partícipes de aquel magnífico diálogo. Como es un documento largo, lo hemos dividivo en dos entregas que publicaremos consecutivas.

More Than: ¿Qué es Siete de un Golpe?

GONZALO ROMERO: Siete de un Golpe es un taller de edición de arte que hace producción de obra, hacemos exposición y coordinación de exposiciones, hacemos libro de artista y, en breve, abrimos editorial. Dentro de la editorial habrá dos líneas: una será lo que todos conocemos como una editorial, donde se publicarán una serie de libros al año, impresión bajo demanda, selección de autores (no sólo de fotografía). La otra línea será de autoedición, que está relacionado con mi experiencia, que es coordinar y ayudar a la gente que tiene la obra pero que no sabe cómo convertirla en un libro.  

MT: ¿Qué es, en líneas generales, un libro de artista?

JUAN VALBUENA: Es un libro en el que el artista toma todas las decisiones, es decir, al final el libro es una manera de gobernar tus imágenes. El artista que es capaz de dar el siguiente paso hacia una unidad narrativa superior, que es el libro, si es capaz de ponerse a domar sus propias imágenes, eso ya es un libro de artista. ¿Qué ocurre? Que hay muchos artistas que se ayudan de otra gente, de otros editores, aunque eso no lo dejaría de denominar un libro de artista. Puede haber muchas cosas consensuadas e incluso cosas que no sé hacer y prefiero que las haga otro, pero si decido que lo que han hecho es lo que entra, es tan mío como si hubiera participado. No creo que eso se tenga que convertir en una pelea, en una cosa que hace una sola persona que es el artista. Veo claro que a veces ese artista necesita ayuda y es bueno que la tenga, en ese combate es donde el libro puede ganar si se entienden, pero las decisiones finales son del artista, del que provee los contenidos, y esas decisones finales pueden ser delegar, que es una decisión como cualquier otra. Si toma todas las decisiones, ése es su libro, es el libro que quería hacer, más o menos libremente. Siempre hay condicionantes, pero se trata de que en un mundo ideal no tener casi condicionantes. ¿Podría ser una obra, una pieza artística? Podría ser, pero eso ya se me escapa un poco. Pero si está acabado es una unidad narrativa superior, no es una obra suelta; ya ese artista está preparado o quiere dar el siguiente paso: ya no escribe verso libre, escribe novela y para ello se ayuda de quien sea porque lo que quiere es otra cosa. Ése es todo un trabajo, meses o años incluso. Si lo haces te va a colocar en otra perspectiva, respecto a tu propio trabajo y respecto al de los demás. Cuando eres padre comprendes a tu padre, cuando haces libros comprendes a los que hacen libros.

G.R.: Creo que el problema es que cuando definimos el libro de artista definimos de más. Aquí, sobre todo por modelos que nos están importando que quizá no son los más adecuados, se está confundiendo el libro de artista con el libro-objeto… Cuando tú llamas a un autor y le dices “te voy a hacer un libro, vamos a tomar esas fotos que nunca estuvieron del todo bien editadas, y luego vamos a hacer una caja de titanio, vamos a hacer 3 y las vamos a vender a 100.000€…” Éso no es un libro de artista, éso es una edición bibliófila. Para mí el libro de artista, si tuviese que definirlo, probablemente sería un proyecto que no tiene por qué ser personal, puede ser colectivo, que nace ya con un espíritu de libro, que es autoeditado (eso es muy importante, la figura del artista es básica a la hora de producir un libro) y su categoría de libro de artista no responde a las circunstancias de producción, es decir, se puede hacer un libro de artista con una impresora toner de 30€ o con papeles baritados y la mejor encuadernación. Lo que sí es importante es que el artista sepa delegar y hallar el modo de vincular ese trabajo con las personas adecuadas; no hay por qué pedirle que sepa cuál es la mejor técnica a la hora de encuadernar o de imprimir, simplemente hay que preguntarle qué espera conseguir y, a partir de ahí, interpretarlo. Un error típico es que llegue un diseño que sea ingobernable en producción y en edición sea imposible porque no ha sido bien concebido… si se hace un libro, hay que respetar los por qués del libro, porque un libro tiene una secuencia, una narrativa, un lomo (por lo que estás atado a un pasar de páginas -si no es un libro-objeto-) y tiene que adecuarse a las circunstancias de encuadernación: si se tira en pliego, en hoja suelta,… y eso hay que conocerlo para poder hacerlo porque si no no cierras, te quedas lejos de lo que pretendías y para eso hay gente que sabe hacerlo.

MT: ¿Cuál es el proceso a seguir en la creación de un libro de artista?

J.V.: Lo primero es tener las imágenes y tener una voluntad de querer hacer un libro. ¿Qué es un libro? En general, hay libros con fotos y hay libros de fotos. Los primeros son los catálogos y los libros que tienen fotos dentro, y luego hay libros de fotos que son… esos que nos gustan, en los que todo ha funcionado, en los que esa persona que tenía un buen material, o es muy hábil y lo ha sabido resolver bien, o ha hecho un equipo y todos se han puesto a trabajar a una: vamos a hacer el libro. ¿Él ha controlado el proceso? Seguramente, ¿ha delegado? Seguramente.. pero es importante que haya un equipo de trabajo que tenga claro qué hace bien cada uno… y a veces de la idea inicial al resultado final cambian cosas, pero seguramente cambian a mejor. Ésa es la secuencia: 1) tener una buena materia prima, 2) Darse cuenta de que es probable que sólo no lo puedas hacer, 3) Buscar a los que lo puedan hacer contigo; con dinero es más fácil pero sin él también puede ser: el trueque funciona, a veces a la gente le gusta trabajar con otra gente… Es muy dificil: ¿cuántos libros hay? Pocos, ¿cuántos libros buenos, buenos, buenos hay? Muy pocos, en los que funcione todo, en los que haya un tono (nosotros hablamos mucho de esto, el libro tiene que tener un tono, y lo tiene que marcar el fotógrafo).

MT: Es decir, ¿que el éxito (o lo contrario) de la idea es responsabilidad del artista?

J.V.: También hay contraejemplos en los que el editor ha advertido un tono que el fotógrafo no veía, porque a veces los fotógrafos emitimos en varias frecuencias y necesitamos que alguien desde fuera nos diga la que está bien para nosotros… que nos digan “de todo lo que tienes aquí, con esto ya lo cuentas”. De eso a veces el fotógrafo no se da cuenta y es el editor el que lo hace. En literatura los editores funcionan así: reconducen, incluso en algunos mercados se meten mucho. El editor se lo tiene que creer y te tiene que ayudar.

G.R.: Para mí hay otra categoría más: hay libros de fotos, libros con fotos y libros. ¿Por qué libros? Porque muchas veces un libro puede estar apoyado por textos o por otros recursos y, sin embargo, llegas a tal punto de coherencia que uno es incapaz de definirlo… pero es un libro antes que nada y eso a mí me gusta. Y creo que hay un punto en el que cuando el editor dice: “Creo que en el libro el enfoque que estás manteniendo no es el más adecuado”, no creo que eso sea una usurpación de la autoría, en todo caso es un diáologo y está en manos del autor aceptarlo o no.

MT: De modo, que la distancia a la que se mantiene el editor respecto al libro es para eso…

G.R.: Sin duda. Palabras como tono, ritmo, coherencia o distancia, son recurrentes dentro de la edición. La distancia frente a la obra, es porque es importante que el editor y/o el diseñador no se conviertan protagonistas, que sepan cuál es su papel en la edición de un libro, pero tanto en el caso de Juan como en el mío, que somos editores-autores, aprendimos a hacer libros haciendo nuestros libros. Para mí es importante que el ejercicio sea doble: al igual que tienes que saber lidiar con tu obra, con el ego,… tienes que saber hacerlo con la obra ajena y saber canalizar el deseo que tiene el autor de convertir eso en un libro y hacerlo de la mejor manera posible.

MT: ¿Quiénes son los referentes en esta clase de piezas artísticas?

J.V.: Hay autores que funcionan con cierta regularidad y, dándole la vuelta, también hay editores que lo consiguen. El ejemplo maestro es Steidl, que es un editor que tiene los recursos suficientes con los que ha creado un micromundo en el que todos los fotógrafos del planeta quieren vivir. No sé cómo es la fórmula que utilizan. Podían haber caído en la forma de hacer los libros como con una máquina de churros, pero lo han hecho de tal modo que casi todos los libros son muy respetables, luego los autores te gustarán o no… Hay una entrevista en el libro “Creadores de imágenes” que cuenta cómo funciona él y es un modelo interesante. ¿Cuál es la trampa? Que es un modelo que está sostenido comercialmente por otra cosa y además es editorial e imprenta, un modelo que aquí no hay: una imprenta que se atreviera a ser editorial.

MT: En ese caso concreto, ¿creeis que el autor tiene la suficiente independencia para crear el libro que quería?

J.V.: Es lo que me pregunto. Supongo que hay un filtro, una línea editorial… pero debe ser muy satisfactorio porque todos quieren ir. Autores con gran ego pasan por allí alegremente y por dinero tampoco es, así que algo les debe dar el Sr. Steidl.

MT: ¿Más ego todavía?

J.V.: Algo habrá: te quito esto por aquí, te doy otra cosa por otro lado… Es un modelo interesante: un tipo tiene una imprenta, que utiliza comercialmente para otra cosa, pero le gustan los libros e invita a autores a usar su infraestructura para crear obras, y ha creado un cuerpo de trabajo brutal y un catálogo inmenso y creciente. Lo extraño es que los libros de fotografía no se venden mucho, ni siquiera los fotógrafos los compran, los compramos cuatro. Hace años fui a Actar y me dijeron: “nos gustan mucho los libros de foto, pero no se venden, en cambio los de arquitectura…” ¿Por qué? Porque hay planos, hay información,… hay valores añadidos, y el libro de foto tiene un tiempo de consumo cortísimo, de modo que si lo quieres comercializar hay que meterle valores añadidos: textos mejores, extras,…

G.R.: “Editar” es una palabra polisémica, hay quien dice que es fiananciar, o si preguntas a alguien que hace video es una cosa totalmente diferente, o puede ser trabajar una fotografía. Para mí editar es una toma de postura, construir un criterio, definir una línea editorial… Y eso lleva implícito cómo se comercializa. Lo que busco en Siete es editar lo que nos gusta pero también hacer posible que las obras salgan. Ahora hay herramientas como la impresión bajo demanda, el offset digital o herramientas de autoedición que permiten a cualquiera hacerse un libro. ¿Distribuirlo? Blogs, canales a través de internet… éso ya no es un problema. El único problema es que la obra se sotenga, que eso sea un libro y no unas imágenes pegadas. Nosotros estamos muy implicados en promocionar la autoedición, diciéndole a la gente cómo puede hacerse un libro. Un dibujante, un ilustrador, un fotógrafo, debería poder conocer cuáles son los códigos y los usos para hacerse un libro. No es una cuestión de precio, de comercialización, es una cuestión de que nosotros, como editores, nos hagamos responsables y decirle al autor que no existen ciertos impedimentos, que no es caro, que no tienes por qué hacerte 500 ejemplares, tener problemas de distribución, pasar por canales muy duros que te hacen hablar con gente que maneja otros códigos absolutamente diferentes del tuyo,… creo que eso ya no es impedimento… Por no hablar del libro digital, que es un paso más allá, que abre lo que abrió la fotografía digital.

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