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La semana pasada hablamos de Paris Photo, pero queremos destacar otra feria (y no es la única) que transcurre paralela: OffPrints Paris, una feria de libros de artista dedicada a las publicaciones de fotografía.

De filosofía diferente a Paris Photo, el trato cercano con los editores (y a veces con fotógrafos como Todd Hido y Alec Soth, que se dejaron ver por aquí) resulta un placer deambular por publicaciones grandes y pequeñas, de diferentes países y casi todos ellos con propuestas a cuál más original.

Sorprende la cantidad de editoriales de los que uno no sabe (sin ser una feria abrumadora) y nos parece una excelente oportunidad para, aparte de asomarse al “mercado”, conocer gente y quién sabe, puede que hasta buscar alianzas para tu proyecto.

Pero como parte de la filosofía de este blog es ser un centro de recursos, no vamos a escatimar en nombres de editoriales que hemos visto allí. Entre las 50 representadas destacan Paradox (NL), ABC Artits Books Cooperative (US), Éditions Poursuite (F), Fotohof (AT), Art Paper Editions (B), Kodoji (CH), Super Labo (JP), Kehrer Verlag (D), Morel Books (UK), Pierre von Kleist Post Editions (PT), … Comprendereis que no continuemos la lista para no saturar, aunque no podemos dejar de mencionar a los amigos de EFE24 (en su web encontrareis más links) y Carpaccio Magazine (presentando su nuevo proyecto Atem Books).

Para más información recomendamos visitar la web de Offprints.

Fotos: More Than Photography.
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Uuuuhh! Qué original! Un Top 10… Pues sí, sabemos que no estamos descubriendo nada al hacer este modo de selección, pero nos parecía demasiado poner aquí todos los nombres (y las obras) que por uno u otro motivo nos han llamado la atención de Paris Photo. La única licencia creativa que nos tomamos es no clasificar a los artistas que os presentamos en puestos.

Nikolai Howalt & Trine Søndergaard: Nos gustan tanto trabajando en solitario (atención a algunas publicaciones de Howalt) como en conjunto; su proyecto conjunto “How to Hunt” fue difícil de ignorar.

– Rune Guneriussen: Fue muy agradable poder ver entre tanto “ruido” una obra tan evocadora como la del noruego.

– Sascha Weidner: Una interesante fotógrafa con una web llena de ideas e interesantes proyectos.

– Mike Brodie: Soprendente trabajo en Polaroid de un autor de edad también sorprendente: 25 años.

Shai Kremer: Buscando uno podía econtra la obra de este fotógrafo en alguna galería, pero dende destacó notablemente fuen el la exposición del Premio BMW.

– Ken Kitano: “One day”, es uno de sus proyectos (que no el único) que destacamos.

– Laura Henno: ¿Cómo pasar por alto estas fotos? Imposible; nos encanta.

– Scott Conarroe: Su estilo nos suena de algo, pero hay que reconocer que funciona y que invita a saborear sus trabajos poco a poco.

– Joern Van Hoerfen: Algunas de las imágenes de este fotógrafo encierrran misterios que nos mantienen hipnotizados buscando respuestas en sus imágenes peor lo que conseguimos son más preguntas… y eso nos gusta.

– Luc Dratwa: O cómo hacer trayectoria de la obsesión por las ventanas.

Si después de estas propuestas os gustaría ver más y más, podemos recomendaros los trabajos de Cig Harvey, Matthew Porter, Alexey Titarenko, Tono Stano, Sigudur Gudmundsson, Lieko Shiga…

Aún en plena resaca del torbellino de actividad que ha supuesto Paris Photo, comenzamos a interpretar la cantidad absolutamente ingente de información recibida. Una feria como ésta puede apreciarse desde muy distintas posiciones, la nuestra es ampliar siempre nuestro conocimiento; las ventas, cifras, aciertos o desatinos y demás interpretaciones vamos a dejarlos de lado.

En primer lugar, es llamativa la cantidad de acontecimientos que acompañan en tiempo y lugar a Paris Photo: Offprints Paris (Feria de Publicaciones de Fotografía), PhotoOff (otra feria de fotografía) e incontables inauguraciones y presentaciones. Todo ello viene a llamarse “Mois de la Photo” (Mes de la Foto). Hemos visitado Offprints Paris y le dedicaremos su espacio más adelante, pero vamos a centrarnos en Paris Photo. Este año, los países invitados han sido Polonia, Eslovaquia, Hungría, Eslovenia y Chequia con participaciones de destacable calidad en muchos casos como la de Gabriella Csoszó o Peter Kostrum, entre otros.

Gabriela Cszozó
Peter Kostrum

Hablar de Nadav Kander o Naoya Hatakeyama, es hablar de bazas seguras, pero en nuestra agenda figuran más de 60 nombres sobre los que habría mucho que decir y que iremos desvelando. Nos ha gustado la propuesta en general de la galerías Phillippe Chaume, Priska Pasquer, SAGE Paris o M+B, y hacemos hincapié en la interesantísima apuesta de editorial de P.A.R.A.S.I.T.E. y la editorial alemana Schaden.com (con la joya “One Day” en su catálogo).

Haublitz+Zoche, Galería Phillipe Chaume, Paris.

Y en el apartado del fetiche, han firmado libros artistas de la talla de Todd Hido, Alec Soth, Martina Hoogland Ivanow, Ellen Kooi, Peter Bialobrzski, Rob Hostra, Setéphane Duroy,…

Ellen Kooi

Entre las anécdotas, está el fenómeno de los precios menguantes de una editorial japonesa (un día antes de acabar la feria habían rebajado sus precios el 50%, y una hora antes de terminar los precios se rebajaban ¡hasta un 80%!) o un tipo disfrazado de gorila que se dedicó a seguir a Martin Parr…

A falta de un resumen más reposado, os ofrecemos esto, más adelante propondremos nombres y trabajos. Queremos agradecer su ayuda y amabilidad a Cristina Cuca (Universidad de Córdoba) y Aminah Abourghol (Colegio de España).

 

Hace ya tiempo que revisitamos de vez en cuando esta interesante serie de Cyrille Weiner  que nos aporta una propuesta fresca en  fondo y forma. Sus trabajos nos hablan del uso y apropiación del espacio y Le Ban des utopies es una pieza que a través de la fotografía,  juega con una edición en molekine mimetizada con el espacio expositivo y en total consonacia con la propuesta temática de la serie. Nos encanta!. Aquí os dejamos el texto que ella misma escribe sobre este trabajo y una selección de imágenes del proyecto.

My desire to escape normality and the map feed the sketch of a poetic fiction.

Beside Utopias, lie a timeless universe. The series sets the escaape of a free human community, animated by a nomadic spirit. They go through, as we do, a world threatened by a catastrophe. Expected to meet, their bodies are available for any kind of improvisations : crossings, recoveries, installations… They are able to creatively occupy the empty spaces generated by the growing evolution of cities. cw

 

Confirmado: hay gente amable por el mundo. Y si además se dedican a realizar fantásticas ediciones es cuando nos ganan y nos hacemos fans incondicionales de ellos. En este grupo se incluye Filigranes Éditions (F.E.), una editorial francesa (que ya mencionamos cuando hablamos de Geofroy Mathieu) y que venimos siguiendo de cerca desde hace tiempo. Pues bien F.E. ha tenido la amabilidad de recibirnos en sus oficinas de Paris para contestar las preguntas de los seguidores de More Than Blog, de modo que si quieres participar, no tienes más que enviar tu pregunta a morethanblog@gmail.com .

Michal Chelbin (Israel, 1974) nos ha fascinado con este trabajo y libro editado por Aperture en 2008. En estas emotivas imágenes de contorsionistas, atletas, bailarines, enanos y luchadores de diversos paises del este, así como Israel o Inglaterra, Michal Chelbin nos muestra un mundo tan extraño como familiar, logra con la sinceridad de sus imágenes y el hecho de fotografiar en muchos casos fuera de la escena donde habitualmente se encuentran estos sujetos, una confrontación entre la cámara y el sujeto de una franqueza absoluta.

” Mi objetivo es registrar una escena donde hay una mezcla de información directa y enigmas y en el cual hay contrastes visuales entre jóven y viejo, grande y pequeño, normal y anormal” Escribe la fotógrafa.

Aunque la luz y los colores nos evoca un ambiente pictórico, parece que son August Sander y Diane Arbus sus influencias fotográficas más evidentes. Michal Chelbin y su trabajo es impacto visual y emocional de alto nivel.

Strangely Familiar.
Acrobats, Athletes, and Other Traveling Troupes.
Photographs by Michal Chelbin. Text by Leah Ollman.
Aperture, New York, 2008. 112 pp., 33 color and 22 duotone illustrations, 9½x11″.

Cuando el año encara su recta final aparecen algunas de las convocatorias más esperadas e interesantes e toda la temporada. Para seguirlas muy de cerca:

– FOTOACTITUD: Recordatorio de esta convocatoria que ofrece la oportunidad a cuatro fotógrafos de realizr un reportaje (remunerado) de la Feria ARCO 2011, viviendo las entrañas de la feria. Hasta el 23 de noviembre.

ARTERIAS VISUALES: El TEA de Tenerife convierte una de sus salas en taller para que cinco artistas desarrollen durante once semanas un proyecto. El centro invitará astistas  a compartir el proceso con los residentes, así como apoyarles logísticamente. Hasta el 10 de diciembre.

– CONVOCATORIA DE PROYECTOS EXPOSITIVOS ECAT 2011: El Espacio Contemporáneo Archivo de Toledo realiza esta convocatoria de cinco proyectos expositivos, de lo cuales tres serán para artistas castellano-manchegos (?). Esta propuesta ofrece unas interesantes condiciones. Hasta el 10 de diciembre.

BECA DE ARTES PLÁSTICAS CAM: Ni mucho menos nos resulta desconocida esta beca, que este año premiará hasta 6 proyectos con dotaciones entre 14.000 y 24.000 € (dependiendo si existe cambio de residencia o no). Hasta el 3 de diciembre.

Yann Gross nos vuelve a deleitar con su nuevo trabajo Kitintale, una serie que se muestra como otra maravilla visual y de compromiso, una visión de África necesaria desde nuestro punto de vista y que nos enseña la fuerza de voluntad  de un grupo de gente por lograr retos.  Su autor explica la dinámica y concepto de un proyecto que resulta ser un ejemplo de creación estética y transmisión de cultura social. Además va a compañado de una edición muy interesante y asequible al bolsillo.

Yann Gross nos explica su serie de la siguiente manera:

I mostly focus my work on identities, dreams and senses of belonging to communities.I’m really interested the way people come together and create their own subculture.

The first Uganda skateboarders were inspired by the television, but hadn’t any concrete to practice on in their neighborhood. They built the only skatepark of East Africa with their own hand in Kitintale, a working class suburb of Kampala. With no assistance from government or large NGO’s, kids from Uganda took significant steps to overcome boredom and poverty through skateboarding. Skateboarding keeps the youth busy, combats the development of negative habits and develops a sense of belonging to a community. The elder skateboarders became also kind of educators. They talk about the problems that many Ugandan families are facing like HIV or malaria and try to inculcate values such as respect and solidarity among the younger ones.

Charlie Crane no es el único pero sí uno de los que mejor (siempre bajo nuestro subjetivo punto de vista) ha registrado la hermética Pyongyang. Esta ciudad, que califica como la “Disneylandia del Stalinismo”, se muestra gracias a su trabajo como un espacio en un obsesivo orden, con imágenes estáticas de avenidas y edificios producto de la megalomanía, retratos de rigidez militar y una luz gris y continua que no permite sombras; unos parámetros que insinuan lo que puede ser la vida en Pyongyang. Este proyecto ha sido publicado en el libro “Welcome to Pyongyang”, y si estais muy interesados en el tema, os recomendamos también los trabajos de Phillipe Chancel, Olivier Mirguet o Andreas Gursky.

www.charliecrane.co.uk

Desde el primer momento que lo vimos nos encantó el trabajo de Faustine Ferhmin, una fotógrafa parisina con vínculo en América del Sur. Tuvimos la suerte de compartir exposición con ella en el festival Emegernt de Lleida y charlar de su trabajo. Este post se centra en su interesantísimo trabajo Pachacuti y para ello hemos pensado que sea ella misma quién nos cuente como es su universo fotográfico a través de esta entrevista que queremos compartir con todos vosotros.

More Than Blog: Tu trabajo Faustine está ambientado en America de sur ¿Porqué Perú?

Faustine Ferhmin:  Antes de viajar a Perú, ya tenía vínculos con América del Sur: mi padre es medio argentino, y toda la familia por su lado es argentina. Ya había viajado en Argentina, e incluso, había hecho mi trabajo de fin de estudio sobre la Patagonia. En el 2008, estaba terminando mi escuela de fotografía en Arles (ENSP). Proponían varias residencias post-diploma, entre las cuales había el Perú. Me había quedada tan impresionada por este continente, que tenía ganas de seguir descubriéndolo. Gané esta beca, y pude viajar 3 meses en el Perú.

MTB:  ¿Fue un encuentro casual o estaba premeditado ya este proyecto? ¿Como fue el proceso?

FF: Cuando llegué a Lima, todavía no sabía exactamente lo que iba a fotografiar – pero ya tenía algunas ideas. En Patagonia, había empezado a fotografiar piedras – piedras con formas esculturales, y que, a veces, parecían imitar ruinas (aunque no lo eran). Así que en el Perú, decidí seguir este camino « mineral », andando en búsqueda de piedras. Pero en comparación con Argentina, había en las piedras de Perú una dimensión más: la historia humana. Algunas de esas piedras que se ven en las fotos son ruinas – ruinas de civilizaciones pre-hispánicas, la mayor parte de las cuales son muy anteriores a los tiempos de los Incas.

Pero mientras que la mayor parte de los viajeros iban al Sur del país, para visitar el famosísimo Machu Picchu, decidí viajar a contra-corriente, hacia el Norte, en búsqueda de otros sitios, menos conocidos, más “salvajes”. Estaba buscando una cierta soledad – que era imposible en sitios demasiado turísticos. Tenía ganas de enfrentarme sola, y lo más directamente posible a esos espacios que conservaban huellas de pasados lejanos, muy antiguos (pasados humanos – y geológicos).

MTB: ¿Cual es tu forma de trabajar una serie fotográfica como Pachacuti? ¿De qué manera buscas los espacios? ¿Te documentas mucho? ¿Te dejas llevar por un lugar que eliges?

FF: Creo que las dos cosas. Primero, antes de viajar, me pongo en búsqueda de sitios, en libros, en internet, o hablando con la gente. A veces, es simplemente una foto encontrada por casualidad que me llama la atención, y que es el punto de partida para un viaje. Hay una gran parte de casualidad en esta búsqueda : puede ser también un encuentro con alguien, por ejemplo con un arqueólogo o un antropólogo, que me habla de tal sitio poco conocido, y que a veces me lleva hasta allá. Pero creo que a medida que va desarrollándose el proyecto, tengo ideas más claras y precisas de lo que estoy buscando : qué tipo de paisajes, que tipo de piedras… Durante mi segundo viaje al Perú, en el 2009, sabía que lo que más me interesaba eran los “bosques de piedras” – quizás aun más que los sitios arqueológicos.

MTB: A la hora de llevar a una sala de exposiciones, ¿Tienes muy claro el formato? o depende del lugar donde expones. ¿Es un formato cerrado en cuanto a tamaño, montaje etc.

FF: El formato depende de la sala de exposición, pero también de la foto. Ya sé que hay fotos que se ven mejor en grande, por lo menos 1m de ancho – pero hay otras que están mejor en tamaño un poco más pequeño. Para la serie Pachacuti, tengo tres tamaños distintos.

MTB: Percibimos mucha sutileza y cariño en tu trabajo, la pulcritud y la luz de la toma nos atrapa dentro de las imágenes. La visión de la ruina ha sido muy tratada en la historia de la fotografía. ¿Es o será la ruina una búsqueda continuada en tu trabajo? ¿Donde se posiciona tu visión de la ruina a través de tu serie?

FF: Tengo que decir que el tema de la ruina, en sí mismo, no es lo que más me importa, pues no me acerqué a esos sitios con ojo de historiadora – ni quería dar una interpretación sentimental o demasiado melancólica del paisaje. En mis fotos, se puede decir que la ruina es nomas como una de las versiones del elemento mineral – y es justamente esta dimensión elemental, es decir algo más fundamental que la historia humana, que me interesa. Así que no es en el sentido estricto ruinas, lo que quise fotografiar – es más bien el espacio, esta inmensidad áspera que se encuentra sobre todo en los Andes. Por eso decidí fotografiar ruinas pero también formaciones geológicas : piedras trabajadas por el hombre, y otras por la naturaleza. No se trataba para mí de oponer esas dos modalidades del mineral, natural y artificial, pero más bien de confundirlas – de enfrentarme con la dimensión telúrica del paisaje para que aparezca un tiempo más fundamental, más vasto que el de la historia humana. Por eso nombré esta serie “Pachacuti”. Pachacuti es un término quechua que significa “revolución, trastorno” (cuti) del “espacio-tiempo”, del “mundo” (pacha). Era una noción central en el pensamiento cosmogónico inca, y designaba los ciclos regulares de destrucción y recreación del mundo. 

Para decir todo esto mejor, quisiera citar un pasaje del texto que Jean-Christophe Bailly escribió sobre mi serie : “Ya no hay categorías separadas sino un mismo despliegue, el de las formas que se pliegan en el tiempo, sea cual sea su origen y su destino: es el mismo cansancio y el mismo desgaste, es la misma usanza del tiempo la que se pone de manifiesto en las ruinas y en las montañas, y de ello procede que la melancolía – que es el recibimiento humano de ese tránsito unánime – pierde cualquier fundamento sentimental para hacerse objetiva y confundirse con la propia esencia de lo que viene mostrado y que resulta tan violentamente terrestre”. (Para leer el resto del texto podéis hacerlo aquí)

MTB: Nos encantaría saber cuáles han sido tus influencias en tu trabajo fotográfico en general. ¿Qué fotógrafos son referentes para ti?.

FF: Quizás los fotógrafos que mas me influenciaron son los Norteamericanos, los exploradores del espacio : la tradición que va de los “pioneros” Timothy o’Sullivan, Carleton Watkins, Edward Curtis… pasando por Walker Evans, hasta los fotógrafos del “New Topographic” (me gusta sobretodo Robert Adams), y que sigue hoy con fotógrafos como Alec Soth…

Pero también me encantan otros fotógrafos norteamericanos : William Eggleston (quizás mi fotógrafo preferido), Diane Arbus…Por el lado europeo, hay también los Becher, que me encantan. Pero en el último periodo, el fotógrafo que mas me llamo la atención es el Ingles Craigie Horsfield (aunque no puedo decir que me influyo para la serie “Pachacuti”, pues en esta época, todavía no conocía su trabajo) : me quedé maravillada por la sutileza y la profundidad de sus fotos…

MTB:  ¿Cuales son tus próximos proyectos? ¿En qué estás trabajando ahora? ¿Donde podemos ver tu trabajo próximamente?

FF: En septiembre de este año, hice una residencia fotográfica en Niort (Francia) – y aproveché de esta ocasión para cambiar mi modo de trabajar. Primero, decidí volver al blanco y negro – por gusto, pero también porque estoy un poco cansada de las impresiones digitales, y que quería volver a las bases química de la fotografía. Extrañaba un poco el trabajo de laboratorio ! Luego, me puse de nuevo a fotografiar gente. Y después del mineral, empecé a trabajar sobre otro elemento, que siempre me ha fascinado mucho : el agua. Entonces, lo que hice fue : fotografiar gente en el agua – lo que no era tan fácil, porque cerca de Niort, está prohibido bañarse en el rio – y además el agua estaba bastante fría, y no había tanta gente que quería tirarse al agua para mí – o para el arte! Entonces, este tiempo pasado en Niort fue la ocasión de empezar una nueva serie, que quisiera seguir, pues solo es un inicio. Lo que quiero explorar es un lado mas onírico de la fotografía, menos descriptivo tal vez – pero lo que veo en común con lo que hice antes, es una atracción por lo el elemental, y por lo arcaico…

En este momento, estoy participando en un workshop : es en este contexto que voy a desarollar esta serie – se podrá ver en muestras colectivas, en varios países, pero todavía no se ha acabado de planificar las expos. Así que no puedo decir nada muy preciso…

Para la serie “Pachacuti”, una parte de las fotos estarán expuestas en Suiza, en una galería de Genève, en abril del 2011, y en Barcelona, en la galería “The private space”, en julio 2011.

Festival Emergent de Lleida - 2010

Exposición Miradas Cruzadas - Lima (Perú) 2009

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